Ouverture des réservations le mardi 27 janvier.

La musique minimaliste naît aux États-Unis dans les années 1960. À l’instar de Steve Reich et Philip Glass, ses représentants partagent une même fascination pour la pulsation régulière et la répétition de courts motifs évoluant lentement. La recherche de combinaisons rythmiques inédites insuffle alors un nouvel élan à la musique contemporaine, et continue à inspirer de nombreux compositeurs.

Steve Reich ouvre le programme avec l’emblématique Piano Phase — présentée ici dans sa transcription pour marimbas —, où deux instruments répètent inlassablement le même motif. D’abord synchrones, ils s’éloignent progressivement l’un de l’autre pour créer un effet de décalage rythmique. Dès qu’ils se sont rejoints, ils abordent le motif suivant. Dans un subtil mélange d’ordre et de chaos, le processus invite l’auditeur à s’abandonner aux espaces sonores qui se déploient.

Avec Table Talk, la jeune compositrice américaine Alyssa Weinberg s’inscrit dans l’héritage de Reich, mais l’enrichit d’un travail expérimental sur le timbre. Les deux interprètes jouent à quatre mains sur un vibraphone agrémenté d’objets divers placés sur ses lames pour en élargir la palette sonore. L’effet produit suggère l’idée d’une conversation vivante autour d’une table — écho au titre de l’œuvre.

Mad Rush de Philip Glass est écrite à l’origine pour orgue, à l’occasion d’une prise de parole du Dalaï-Lama. La pièce a été pensée comme une musique d’accueil dont la durée devait pouvoir s’adapter à une heure d’arrivée incertaine — d’où son principe de sections répétables et sa durée flexible. Au lieu de développer chacun des thèmes, Glass les reproduit avec d’infimes variations, dessinant un continuum hypnotique où la répétition invite à la méditation.

Ouverture des réservations le mardi 27 janvier.

Au milieu des années 1960, lors d’un séjour à Paris, l’Américain Philip Glass rencontre Ravi Shankar, légendaire joueur de sitar. Le compositeur des Enfants terribles découvre alors la musique classique de l’Inde, fasciné par le dialogue improvisé entre le chant exalté de ce luth à manche long et les pulsations vives des tablas. De cette conversation semblent naître de véritables paysages intérieurs.

L’un des sitaristes les plus inspirants de notre époque, le Pakistanais Ashraf Sharif Khan, le formule ainsi : « Dans la musique de l’Asie du Sud, chaque pièce (râga) incarne une humeur, une saison ou un moment de la journée. À chaque performance, j’essaie d’utiliser la musique et l’instrument pour capturer le sentiment qui me trotte dans le cœur et le transmettre à mon public, afin qu’il puisse ressentir ce que je ressens à ce moment-là. »

Ashraf Sharif Khan est issu d’une prestigieuse lignée de sitaristes du Cachemire. Tout en étant profondément enraciné dans la musique classique sud-asiatique, son parcours est jalonné de rencontres stimulantes avec le jazz, l’électronique et la fusion. Pour ce concert, il revient à une formation traditionnelle où le sitar est accompagné de la voix d’Irshad Balkhi et des tablas d’Arwed Gluschke. Le trio puise dans les râgas, les inspirations hindoustanis et le qawwalî — une musique d’expression soufie — un mélange de beauté mélodique, d’agilité rythmique et de virtuosité technique. Une expérience captivante, tant pour les novices que pour les plus fins connaisseurs.

En partenariat avec Attacafa – scène universelle nomade dans le cadre du festival Le Temps d’une Lune #10

Ouverture des réservations le mardi 4 novembre.

Les pianistes Oleh Kopeliuk et Ihor Sediuk sont originaires de Kharkiv. La deuxième ville d’Ukraine – jumelée à Lille depuis de nombreuses années – constitue un centre culturel majeur, après avoir été un berceau du romantisme littéraire au 19e siècle. Depuis l’agression de leur pays par la Russie, les deux musiciens multiplient les concerts mettant à l’honneur la musique ukrainienne.

Ainsi, après une pièce de Claude Debussy pour rendre hommage à l’amitié franco-ukrainienne, le duo révèle quelques-uns des compositeurs les plus importants des 20^e et 21^e siècles en Ukraine. S’ils ne nous sont pas familiers, c’est que les soubresauts de l’histoire les ont souvent invisibilisés en dehors de leurs frontières régionales. Parmi eux figure Myroslav Skoryk, disparu en 2020, dont la Mélodie est devenue un hymne officieux de la résistance face à l’envahisseur.

Au programme également, des compositeurs de Kharkiv, tels que Sergei Bortkiewicz, qui incarne le courant romantique, mais aussi Olena Shevchenko-Mikhalovska et Ruslan Kashyrtsev, représentant la génération actuelle.

Manifestation organisée dans le cadre du Voyage en Ukraine, la Saison de l’Ukraine en France

Des Carpates au Danube, la musique de Béla Bartók, George Enescu et Paul Constantinescu puise aux sources du folklore d’Europe centrale et orientale. Au début du 20^e siècle, les trois compositeurs ont partagé la même fascination pour les mélodies populaires – roumaines en particulier – menacées de disparaître dans un monde en pleine mutation.

Infatigable collecteur de chants paysans, Bartók a transformé l’essence même de la musique traditionnelle dans des œuvres d’une vitalité nouvelle. Ses Six danses en rythme bulgare, extraites du Mikrokosmos, révèlent une richesse rythmique et harmonique qui fait de ces miniatures des chefs-d’œuvre d’inventivité. Enescu a recherché la même connivence avec le folklore, dans un chemin personnel influencé par la tradition française et porteur d’une poésie élégante et nostalgique.

Moins connu mais tout aussi captivant, Constantinescu a quant à lui intégré les audaces du langage moderne aux racines musicales de son pays.

Sous les doigts de Dana Ciocarlie, originaire de Bucarest et formée à l’école pianistique roumaine, la « couleur locale » de ce répertoire devient matière vivante, transfigurée par une technique parfaite et un sens rythmique infaillible.

La soprano Agathe Peyrat et l’accordéoniste Pierre Cussac aiment voyager d’un horizon musical à l’autre, de scènes d’Opéras en festivals de jazz. À l’heure de la sieste, c’est la nuit qu’ils convoquent – et avec elle, les astres, les songes et les mystères.

De la douceur divine chez Henry Purcell à l’introspection mélancolique chez Paolo Conte, la nuit éclaire les paysages intérieurs les plus contrastés. Elle se fait rêverie amoureuse dans le Beau soir de Claude Debussy, danse macabre pour Camille Saint-Saëns, ou errance désenchantée sous la plume de Boris Vian. Elle éveille aussi les souvenirs sensuels d’un pêcheur de perles chez Georges Bizet, révèle la tendresse de Maurice Yvain, et donne vie à la fantaisie solaire de Charles Trenet.

Voici donc un concert en forme de constellation d’époques et de styles. Prenez place sous le ciel du Grand foyer, et laissez-vous envelopper par 50 nuances de nuit…

Pour ouvrir la saison des concerts au Grand foyer, nous accueillons l’ensemble dissonArt de Thessalonique, génial défricheur de sonorités nouvelles. Une sélection de pièces pour solistes donne à entendre la virtuosité de chaque musicien, dans un programme où l’intériorité des Suites pour violoncelle de Jean-Sébastien Bach fait écho aux recherches de compositeurs d’aujourd’hui.

Le Danois Niels Rønsholdt confie au piano les fragments d’un journal intime, mémoire des émotions et des sensations vécues au son du chant des oiseaux, tandis que Beat Furrer offre à la flûte une mélodie au bord du souffle, en perpétuelle métamorphose. Mais au centre du concert, la pièce de George Crumb réunit un quatuor atypique – flûte, clarinette, violon et piano – et use de techniques inhabituelles pour déployer une texture sonore riche et diaphane. Dans un cycle de onze miniatures, son écriture sensuelle et poétique cherche à raviver les souvenirs lointains, à capturer l’éphémère, et à prolonger la lueur de ce qui déjà s’éteint.